Fryderyk Franciszek Chopin

Es considerado uno de los más importantes compositores y pianistas de la historia. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.

Prácticamente todas las composiciones de Chopin son para piano. Aunque expatriado, siempre fue leal a Polonia, un país desgarrado por las guerras; sus mazurcas reflejan los ritmos y melodías del folclore polaco y las polonesas están marcadas por el espíritu heroico de su patria. La influencia que sobre él ejerció el compositor de ópera italiano Vincenzo Bellini también se puede apreciar en sus melodías. Las baladas, scherzos y estudios (cada uno de ellos centrado en un problema técnico específico) son muestra de su amplísima obra para piano solo. Su música, romántica y lírica, se caracteriza por las dulces y originales melodías, las refinadas armonías, los ritmos delicados y la belleza poética. Influyó notablemente sobre otros compositores, como el pianista y compositor Franz Liszt y el compositor francés Claude Debussy. Sus obras publicadas incluyen 55 mazurcas, 27 estudios, 24 preludios, 19 nocturnos, 13 polonesas y 3 sonatas para piano.

Entre sus otras obras destacan los Conciertos de juventud, en mi menor y fa menor opus 11 y opus 21, respectivamente (ambos para piano y orquesta; en los dos se aprecia la influencia, tanto en su forma como en la melodía, de los conciertos para piano de Johann Nepomuk Hummel), así como una sonata para violonchelo y piano y 17 canciones.

Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos.

Krakowiak

http://www.youtube.com/watch?v=oyclDnE1Qh0&feature=PlayList&p=D0E1617CB7911DCC&playnext=1&playnext_from=PL&index=55 

Es el título de una obra para piano del compositor polaco Chopin, que figura con el opus 14.

Es una página virtuosística y de características claramente eslavas. Fue compuesta en 1828 y publicada en Leipzig seis años más tarde, en 1834. La obra pertenece al Chopin más nacionalista, al que no son ajenos los aires revolucionarios, que pronto harían estremecerse a Polonia en contra de la dominación rusa.

Krakowiak es, pues, formalmente un rondó, escrito en la tonalidad de fa mayor, en el que su autor logró combinar de manera muy hábil los temas polacos y su propia vena melódica y personal. El logradísimo resultado de esta combinación alcanzó entonces un enorme éxito, tanto en la Varsovia de la Polonia natal del compositor, como en la austríaca Viena.

Nocturnos

http://www.youtube.com/watch?v=tgA9OrV2DI4&feature=related  (Nocturnos Op. 9)

Escribió a lo largo de su corta vida hasta veintiún nocturnos para piano. Entre ellos se encuentran algunas de sus piezas más conocidas. No se publicaron todos reunidos en un mismo conjunto de piezas, sino que pertenecen a varios números distintos de opus y algunos incluso fueron editados póstumamente. Los tres primeros nocturnos se encuadran en el Op. 9; los tres siguientes, en el Op. 15; en el siguiente, el Op. 27, hay sólo dos, igual que en los Op. 32, Op. 37, Op. 48, Op. 55 y Op. 62. Además, hay un nocturno en el opus póstumo 72 y hay otros dos nocturnos sin ningún número, uno en do sostenido menor y el otro en do menor.

En total, Chopin tardó en componer todos sus nocturnos un tiempo de unos quince años. Entre ellos no suman más de dos horas de música (se queda alrededor de uno hora y tres cuartos), aunque eso depende mucho de la interpretación que se les dé. Por tanto, tienen una duración media de algo más de cinco minutos.

Ludwig van Beethoven

Fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical se extendió, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés, Beethoven consiguió hacer trascender a la música del romanticismo, motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser mayormente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (32 sonatas para piano), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (9 sinfonías, oberturas, etc.), así como el ciclo de las Nueve Sinfonías.

Beethoven es reconocido como uno de los más grandes compositores de la historia. Ocasionalmente, es mencionado como parte de "Las tres bes" (junto con Bach y Brahms), quienes personalizan esta tradición. También es la figura central de la transición entre el Clasicismo musical del siglo XVIII y el Romanticismo del siglo XIX la profunda influencia que ejerció sobre las futuras generaciones de músicos.

QUINTA Y SEXTA SINFONIAS

 Portada de la Quinta sinfonía.

http://www.youtube.com/watch?v=HTxPI7ia-48&feature=related ( QUINTA SINFONIA )

http://www.youtube.com/watch?v=3DmCI1EHQMg&feature=related ( SEXTA SINFONIA )

En 1808, Beethoven compone la Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban "la llamada del destino". El segundo movimiento es un hermoso tema con variaciones. El tercer movimiento, scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los instrumentos de viento-metal con una forma derivada de la "llamada del destino"; un pasaje tejido por los pizzicato de los instrumentos de cuerda se encadena sin pausa con el triunfal cuarto movimiento, allegro, y que posee una destacada coda. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio son quizá la firma más personal de Beethoven.

Simultáneamente compuso la Sexta Sinfonía en fa mayor, conocida como Pastoral. Es difícil imaginar dos obras tan distintas: toda la fuerza y violencia de la Quinta se convierten en dulzura y lirismo en la Sexta, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la naturaleza.

FIDELIO

http://www.youtube.com/watch?v=KzacoNLZSXM&feature=related

Es una ópera en dos actos, con música de Ludwig van Beethoven, basado en la obra francesa de Jean-Nicolas Bouilly. Es la única ópera que compuso Beethoven. La ópera cuenta cómo Leonora, disfrazada como un guardia de la prisión llamado "Fidelio", rescata a su marido Florestán de la condena de muerte por razones políticas.

Con Ludwig van Beethoven comienza la desaparición del clasicismo y el principio del romanticismo. Su obra, en líneas generales, muestra la lucha interior del compositor: la pasión, la dinámica, el contraste... elementos que de por sí no son nuevos, pero que en las manos de Beethoven se convertirán en pautas a seguir por el nuevo estilo musical.

Su obra, se divide en tres grandes periodos:

• por un lado un estilo clásico llamado de "asimilación" (1795-1801) en donde el artista está influenciado directamente por Mozart y Haydn
• en segundo lugar ( 1802-1815) el estilo de "transición" en donde se observa un cambio de rumbo al considerar el clasicismo como agotado, tratando, para salir del modelo, de plasmar en la música una serie de emociones del ser humano
• finalmente el tercer periodo (1816-1827) en donde el compositor terminará refugiándose en su mundo interior.

Fidelio corresponde a la segunda etapa de su carrera, siendo una de sus obras más representativas, en donde presentó especial interés en retratar y enfatizar el heroísmo.

Wolfgang Amadeus Mozart

Un compositor clasico y ha sido considerado por muchos uno de los más grandes en su género.

A pesar de que murió muy joven (apenas a los 35 años), dejó una obra extensa que abarca todos los géneros musicales de su época. Compuso más de 600 obras, muchas de ellas reconocidas como las obras cumbre de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, para ópera y coral. Es uno de los compositores clásicos más populares.

Mozart mostró una capacidad prodigiosa en su niñez más temprana en Salzburgo. Cuando ya tocaba el teclado y el violín, compuso obras a la edad de cinco años y realizó interpretaciones para la realeza europea. A los diecisiete fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero debido a su inquietud viajó en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781 fue despedido de su puesto en la corte de Salzburgo y decidió quedarse en la ciudad, donde alcazó la fama durante el resto de su vida, pero tuvo poca seguridad financiera. En sus años finales en Viena realizó muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, y el Réquiem .

Misa de Réquiem en re menor (KV 626)

                      Página del Requiem

http://www.youtube.com/watch?v=mb3bwGb0glQ&feature=PlayList&p=EC7716C4A1675CD4&index=0&playnext=1

Es una obra basada en los textos latinos para el acto litúrgico católico ofrecido en las defunciones.

En junio de 1791, Mozart ofreció en Viena uno de sus últimos conciertos públicos; tocó el Concierto para piano n.º 27 (KV 595).

Pocos días antes se presentó en su casa un desconocido, vestido de gris, que rehusó identificarse y que encargó a Mozart la composición de un réquiem. Le dio un adelanto y quedaron en que regresaría en un mes. Pero el compositor fue llamado desde Praga para escribir la ópera La clemencia de Tito, para festejar la coronación de Leopoldo II.

Cuando subía con su esposa al carruaje que los llevaría a esa ciudad, el desconocido se presentó otra vez, preguntando por su encargo. Esto sobrecogió al compositor.

Más tarde se supo que aquél sombrío personaje (al parecer, llamado Franz Anton Leitgeb) era un enviado del conde Franz von Walsegg, cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato.

Mozart, obsesionado con la idea de la muerte, desde la de su padre, debilitado por la fatiga y la enfermedad, muy sensible a lo sobrenatural por su vinculación con la francmasonería e impresionado por el aspecto del enviado, terminó por creer que éste era un mensajero del Destino y que el réquiem que iba a componer sería para su propio funeral.

Mozart al morir, consiguió terminar tan solo tres secciones con el coro y órgano completo: Introitus, Kyrie y Dies Irae. Del resto de la Secuencia sólo dejó las partes instrumentales, el coro, voces solistas y el cifrado del bajo y órgano incompletos, además de anotaciones para su discípulo Franz Xaver Süssmayr.

  Così fan tutte ossia La scuola degli amanti (Así lo hacen todas o La escuela de los amantes)

http://www.youtube.com/watch?v=LInpgoUxNQs     

Es una ópera bufa en dos actos, compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart (1790). El libreto fue escrito por Lorenzo da Ponte. Lleva por número KV 588. Fue creada debido a la sugerencia del Emperador José II de Habsburgo. Originalmente, iba a componer esta ópera el colega de Mozart, Antonio Salieri, quien preparó la música del primer acto, para posteriormente romperla. La primera vez que se representó Così fan tutte fue en el Burgtheater de Viena, el 26 de enero de 1790. En España se estrenó en 1798 en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona, siendo la primera ópera de su autor que se hacía en la Península Ibérica.

El tema escogido es el intercambio de parejas, que data del siglo XIII. Hubo importantes versiones anteriores, como por ejemplo el Decamerón de Boccaccio, o Cymbeline de Shakespeare

 La traducción literal del título es "así hacen todas", y menos literalmente: "lo mismo hacen todas". Estas palabras son cantadas por los tres hombres cuando hablan del voluble amor femenino, en el segundo acto, cuadro III, justo antes del finale. Algunos han visto en el título y el argumento de la ópera un dejo de misoginia por parte de Mozart y da Ponte.

Musicalmente hablando, los críticos destacan la simetría de Così: dos actos, tres hombres y tres mujeres, dos parejas, dos personajes al extremo (Don Alfonso y Despina), prácticamente el mismo número de arias para todos los solistas. Para otros críticos, la simetría era un valor propio de la ópera italiana del siglo XVIII y por tanto poco destacable (véase Alier). Todos coinciden en destacar la abundancia de partes dedicadas a los conjuntos: fuera de los finales, Mozart compuso seis dúos, cinco trios, un cuarteto, dos quitentos y tres sextetos.

Todo empieza en una galería de arte de Madrid, España. Se encuentra Eduard Manet, clasicista e impresionista exponiendo sus obras en la Semana Española de Arte, este se encuentra muy emocionado y ocupado dando a conocer su obra que se vasa en el retrato, la elegancia influenciado por otros coterráneos suyos como lo fueron Goya.

Estando en la exposición aparece un hombre, se acerca y le dice:

Lord Byron: Hola maestro Manet, he visto muchas de sus obras y comparto bastante la visión que usted tiene de la realidad

Eduard Manet: Oh, muchas gracias gentil caballero. Perdón, ¿usted es Lord Byron?. ¿Uno de los escritores más versátiles e importantes del Romanticismo, estoy en lo cierto?

Lord Byron: Me halaga mucho su comentario, si pues soy el mismo, aunque no me consideraría uno de los más versátiles en cambio si consideraría mejores a mis antecesores. Soy un apasionado de los primeros románticos.

Eduard Manet: Si, es increíble Uds. logran sacar lo bonito a cada experiencia, demostrando libertad y autonomía al describir la realidad.

Lord Byron: Maestro gracias por sus comentarios. Pues la verdad el romanticismo es un estilo de vida, no es ver la vida de color de rosas es oler la vida como a rosas, ser positivo y no solo mirar lo malo de cada situación que nos sucede. Somos el tipo de personas que mezclan el espíritu racional y crítico para analizar la realidad.

Eduard Manet: Me impresionan bastante sus obras sobretodo por sus héroes o antihéroes.

Lord Byron: Cuénteme, ¿Que piensa de ellos? Su opinión sería muy enrriquesedora para mí

Eduard Manet: Sus héroes presentan un idealizado pero defectuoso carácter con atributos como gran talento, exhibición de pasión, rebeldía, exilio, un oscuro pasado. Son muchas las características que los representan que me es imposible terminar de enunciarlas.

Lord Byron: Bueno, coménteme ahora, ¿Cual es la obra mía que más le ha llamado la atención?

Eduard Manet: Las peregrinaciones de Childe Harold, Lara, Manfredo, que claramente son fichas autobiográficas que nos permiten descubrir su carácter excéntrico, polémico y controvertido.

Lord Byron: Si, es que para mi no se debe aceptar la realidad como es, sino verla con otros ojos.

Eduard Manet: A que se refiere cuando dice que verla con otros ojos, poeta?

Lord Byron: Muchos han atribuido mis capacidades a un trastorno bipolar, a una depresión maníaca. Considero que soy ácido y cruel.

Eduard Manet: No diga eso, a mí también me pasa lo mismo, digamos El Torero Muerto, es mi pintura más polémica, solo porque no muestro una realidad donde todo es perfecto, no soy tan romántico como lo es Ud. al plasmar mi pensamiento de la actualidad, soy bastante trágico y dramático.

Lord Byron: Entiendo eso, considero que a mí también me catalogan como polémico porque defiendo a los desheredados, los marginados, los miserables: corsarios y cosacos; y la hipocresía en general siempre me ha disgustado.

Eduard Manet: Igual es que vivimos en una época en la cual hay muchas guerras, digamos se que ud apoya a España ante la invasión napoleónica y la independencia de las naciones latinoamericanas.

Lord Byron: Si ese es otro de mis tantos problemas, no quedarme callado y denunciar lo que me parece quie es incorrecto, Napoleón es un bárbaro que lo único que quiere es acumular riquezas a costas de otras naciones, no le basta con lo que tiene.

Eduard Manet: Pero bueno, contemos con que algún día sea vencido y se le dé la lección que tanto necesita.

Lord Byron: Tiene razón maestro, bueno volviendo a lo que me trae hasta aquí, cuénteme ¿que lo inspira en su obra y el por qué plasmar una realidad cruda?

Eduard Manet: Es una pregunta difícil, tratare de responderle con la mayor sinceridad posible. Para empezar mis obras han pasado por diferentes etapas, ahora me encuentro en plena libertad de decidir que plasmar de la realidad que observo.  En las condiciones en que tuve que desenvolverme he sido un incomprendido a lo largo de casi toda mi carrera, una situación verdaderamente amarga para un artista como yo, partidario del fair play y de carácter abierto, pero ambicioso bajo una aparente resignación, más dolorosa porque siempre aspiré a verme conceptuado a través del cauce al que atribuía significación categórica, el de los galardones oficiales.

Lord Byron: Oh, la verdad comprendo bastante lo que es estar bajo una presión como esa, creo que compartimos los mismos sentimientos, que nos une a través del arte, ese don maravilloso que se nos ha entregado para que nosotros se lo heredemos a la sociedad en general.

Eduard Manet: Ud. Tiene mucha razón, es una gran responsabilidad pero nosotros tenemos que desempeñarla, Ud a través de sus grandes escritos donde entremezclan la realidad y la ficción dentro de un margen de aparente perfección; yo con mis pinceladas unas veces incomprendidas.

Fue un placer compartir con Ud. una conversación tan amena como la que hemos tenido, espero volvernos a encontrar en próximas ocasiones.

Lord Byron: El gusto es mío maestro, y déjeme decirle que el placer es mío, con gusto vendré a próximas exposiciones.

Eduard Manet: Le pido un permiso.

Lord Byron: Esta bien, igual también me marcho tengo que terminar una obra que deje inconclusa.

Y así fue como poco a poco Lord Byron se fue alejando de la galería y se dedicaría a terminar su más grandiosa obra: Don Juan; ante la mirada enorgullecida de Eduard Manet, por haber compartido un tiempo valioso con una autoridad en la literatura mundial.

La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año de encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos, fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueran pintadas por Braque.

En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos:

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal.

2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.

4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos

5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.

6. Base filosófica:  Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Hay tres artistas cuyo estilo de pintura cubista resulta coherente: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Pablo Picasso:

* Nació en la ciudad andaluza de Málaga, el día 25 de octubre de 1881, concretamente en el número 36 de la Plaza de Riego. Posiblemente el más genial de los pintores modernos vió por primera vez la luz del mar Mediterraneo, luz y color que reflejaría a lo largo de toda su obra.

*  Ya en 1907 pinta su famoso "Las demoiselles d'Avignon", y empiza su época Cubista. Con Geroges Braque conforma lo que denominaría la "revolución cubista". Dentro de este estilo realiza además esculturas, la "Cabeza de Fernande" su mejor ejemplo, es un retrato escultórico de su compañera Fernande Olivier, con quien viviría hasta 1912. Un año antes expone por primera vez en Nueva York, concretamente en la galería Stieglitz's Photo-Secession. Su actividad artística es frenética y sus exposiciones contínuas, esta situación y la relación de Picasso con Eva Gouel -en la que se inspiran algunas de sus obras como "Ma Jolie"- , provoca que Fernande lo abandone. Eva, entonces se irá a vivir con él, precisamente cuando muere su padre, el 2 de mayo de 1913.

Guernica, 1937. Más que un cuadro es un cartel, un cartel en lienzo sin texto, no hacía falta, todo estaba "escrito" en esta impactante imágen. Picasso, que más tarde se afiliaría al Partido Comunista de Francia, era defensor de la Republica Española y esta tenía en él un fiel artista de fama reconocida.

Georges Braque

* Se inició trabajando como decorador con su padre. Hacia 1900 se trasladó a París. Allí tuvo la oportunidad de conocer la vanguardia del momento. Entró en contacto con el Fauvismo y conoció el arte de Matisse y Derain. Asimismo, Cézanne supuso un gran descubrimiento para él. Sin embargo, será el encuentro con Picasso el que le impulsa a llevar su arte hacia un nuevo rumbo. Ambos emprenden la aventura del Cubismo.

* Braque es un artista de los que mejor encarna un puro estilo cubista.

Bodegón con cartas, 1913, óleo guache y carboncillo sobre lienzo

Juan Gris

* Nació en Madrid el 23 de Marzo de 1887. Su padre era un conocido empresario papelero, D. Gregorio González casado con Isabel Pérez, con quien tuvo catorce hijos.

* Comenzó con cuadros de tonos grises que cambio a mediados de la década -1915- por composiciones coloristas con collages que otorgaban a sus obras una originalidad dentro del cubismo. Ya había conocido a Jossette, su compañera de por vida. En esta época pintó sus cuadros más coloristas, "Violín y vaso", "El torero", "Guitarra sobre una silla", "Las tres cartas"

* Realmente hasta 1924 Juan Gris no entró dentro del núcleo de los grandes artistas. Pero en ese año sus pinturas empezaron a cotizarse como grandes obras de arte y realizó sus creaciones más conocidas como "La Mujer del cesto", "El libro rojo", "El mantel Azul" o "Mujer en la ventana". Pero su felicidad duró poco ya que fallecía el 11 de Mayo de 1927 en una aguda crisis asmática. Sólo con cuarenta años desaparecía uno de grandes artistas del siglo XX. No nos queda más remedio que imaginarnos la cantidad de talento y obras que no pudo dejar en vida.

Naturaleza muerta delante del armario, 1920. Ya no son líneas y colores solamente los recursos que identifican los planos, aparecen las texturas y las formas de los elementos representados. Cada elemento tiene su forma y está en el mismo plano. Se identifican y colocan perfectamente en el espacio. 
 

Paul Gauguin

Pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. De vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado», que pronto sintió la necesidad de superar. El personal camino que siguió para dar cauce a su necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que el llamaba «simbolismo sintético», caracterizado, desde el punto de vista formal, por:

• La simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano.
• Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros
• Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental.

Las influencia sobre corrientes artísticas posteriores es evidente en grupos como los simbolistas, o Los Nabis.

 Bodegón con retrato de Charles Laval
La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista, lo mismo que el uso del color (contraste de complementarios). Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la pintura.

Se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne. Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar la escena mostrando en un primer plano el perfil de su amigo Laval,la influencia de Cézanne se manifiesta en la simplificación de formas enérgicamente modeladas.

¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?
Se basa en dos triángulos inscritos en las dos mitades del lienzo. En el de la izquierda se incluye el ídolo y dos figuras humanas sentadas en el suelo. En el triángulo de la derecha entran todas las personas del grupo de esa zona del cuadro.

El Cristo amarillo
En esta obra Gauguin simplifica el dibujo y las formas, según la técnica «cloisonista». El color se aplica arbitrariamente, sin conexión con lo observado en la naturaleza, sino más bien con las necesidades expresivas del artista.

Maternidad
El tema de la maternidad fue abordado por Gauguin en varias ocasiones. Veía en los nacimientos de niños y en la fuerza de los vínculos materno-filiales un motivo que le servía para expresar sus inquietudes intelectuales sobre el misterio de la vida.

Vincent van Gogh

Pintor de vocación tardía, como Gauguin. No se decidió a dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad. Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística, su vocación era tan fuerte que ese tiempo realizó más de 800 cuadros, y numerosos dibujos.

Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los simbolistas. Sin embargo, no adoptó plenamente ninguna de estas influencias, sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el movimiento expresionista.

Retrato de Père Tanguy
El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo vigoroso, como en Los comedores de patatas. Sin embargo en el fondo, repleto de estampas japonesas, hay un fuerte colorido. Van Gogh emplea una pincelada suelta, alargada y empastada, que será su marca identificativa en adelante.

 El puente de Langlois
En este caso van Gogh se deleita con la plasmación de la limpia atmósfera provenzal. Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan magistralmente en tonos fríos y cálidos para configurar el reflejo del puente sobre el agua. La sensación de profundidad se consigue aclarando el azul cerca de la línea del horizonte.

Café de noche. Exterior
Hay una especie de lucha entre la iluminación natural de un maravilloso cielo estrellado y la luz artificial de la lámpara de gas que ilumina la terraza. En este caso, la contraposición de complementarios es entre el azul-violeta (del cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de la tarima, la pared y la parte inferior del toldo)

La noche estrellada
La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada, pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos, que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.

Campo de trigo con cuervos
El cuadro está vigorosamente pintado con espátula. Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos sobre el agitado trigal, con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo.

Paul Cézanne

Uno de los pintores que más influyó en la formación de las vanguardias históricas de principios del s.XX. A lo largo de su vida sufrió una variación estilística en la que hay un denominador común: la búsqueda continua de un lenguaje pictórico que le permitiera expresar la intensidad de lo que percibía.

Se suelen distinguir cuatro periodos en su vida artística, que son los que utilizaremos en nuestro estudio de la obra de Cézanne:

1. Periodo «romántico»: 1862-70, Visitas a París, encuentro con Manet y los impresionistas. Intentos de ser aceptado en el Salon
2. Periodo «impresionista»1873-79: Trabajo con Pissarro y estancias con él en Pontoise y Auvers-sur-Oise en 1872, 1873, 1874, 1877 y 1881. Según Pissarro: «Estábamos siempre juntos, pero no se puede negar que cada uno de nosotros permaneció fiel a una única cosa importante: la propia sensación». Expone en la primera (1874) y tercera (1877) muestras Impresionistas.
3. Periodo «constructivo» (1880-88): obras en L'Estaque (cerca de Marsella, 1880-83) y Gardanne (1885-88)
4. Periodo «sintético», desde 1890 hasta su muerte en 1906.

Retrato de Louis-Auguste Cézanne
A través de algunos detalles Cézanne transmite sutilmente la tensión que había entre ellos: sienta a su padre en el borde de un desmesurado sillón-trono, de espaldas a un bodegón sobre el que Cezanne había estado trabajando poco antes.

El castillo de Medan
Las formas del paisaje así delimitadas están descompuestas en los elementos geométricos básicos que las configuran, y que para Cézanne son la esfera (copas de los árboles, arbustos), el cilindro (troncos de árboles) y el cono (los tejados y algunas masas vegetales).

Las grandes bañistas
La composición está estructurada en torno a tres grandes triángulos: uno que domina toda la obra y que esta delimitado por los troncos de los árboles, y otros dos, más pequeños e inscritos en el primero, formados por dos grupos de bañistas a izquierda y derecha.

 Cabe destacar la importancia de estos dos términos y los avances que han surgido en nuestra sociedad debido a la existencia y modificación de estos en diferentes ámbitos (sociales, culturales e históricos). Primero, es preciso saber la definición de la modernidad, concibiéndose como un concepto filosófico y sociológico, que puede definirse como el proyecto de imponer la razón como norma trascendental a la sociedad.
Desde ese punto de vista es similar al concepto kantiano de Ilustración (la mayoría de edad del individuo, que ejerce su razón de forma autónoma: el Sapere aude), y antes que éste al antropocentrismo humanista del Renacimiento (por ejemplo la Oratio pro homini dignitate de Pico della Mirandola). Fue muy significativo, para entender la diferente concepción de lo nuevo entre la Edad Media y la Moderna, el debate de los antiguos y los modernos.

Así mismo, definimos al modernismo como el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Representa una etapa cronológica de vagas fronteras que se caracteriza por la incidencia de ciertas constantes que proceden de las primeras formulaciones de Rubén Darío (1867-1916). Este poeta escribe (1888): "llevar el arte de la palabra al terreno de las otras artes, de la pintura verbigracia, de la escultura, de la música. Pintar el color de un sonido, el perfume de un astro, algo como aprisionar el alma de las cosas". Y en 1896, el año de publicación de Prosas profanas, define las aspiraciones de su poética de la siguiente forma: "Al penetrar en ciertos secretos de armonía, de matiz, de sugestión que hay en la lengua de Francia fue mi pensamiento descubrirlos en español o aplicarlos. La sonoridad oratoria, los cobres castellanos, sus fogosidades ¿por qué no podrían adquirir las notas intermedias y revestir las ideas indecisas en que el alma tiende a manifestarse con mayor frecuencia? Luego, ambos idiomas están, por decirlo así, hechos con el mismo material. En cuanto a la forma, en ambos puede haber idénticos artificios. La evolución que llevara al castellano a este renacimiento, habría de verificarse en América, puesto que España está amurallada de tradición, cercada y erizada de tradicionalismo"1. Trascienden claramente estas ideas tanto de Correspondances de Baudelaire como de Voyelles de Rimbaud y no menos que de Verlaine que dice: "Car nous voulons la Nuance encor, / Pas la Couleur, rien que la nuance" en el mismo poema en que exalta la música como la más alta virtud del poema (Art poétique).

Se darán cuenta que todos los fonemas posibles en español tienen un valor absoluto invariable: es decir que se pronuncian siempre igual, razón que excluye la posibilidad de que exista entre uno y otro una gama de variaciones intermedias por las que se pudiera dar cuenta de una modulación musical del verso ya que la sucesión de sonidos que lo componen pasa abruptamente de uno a otro. Los artificios de la composición poética como la disposición de los acentos en la cláusula, de la cesura en el verso, de la sinalefa entre las palabras o de la rima entre los versos modifica, enriquece o controla el ritmo, pero solamente la altura de los sonidos y la posibilidad de pasar de uno a otro a través de una gama continua de sonidos intermedios permitiría producir esa modulación melódica por la que el elemento musical podría inscribirse claramente dentro de las perspectivas a las que Verlaine destina su poema en el Art poétique. Si se agrega a esta falta de diversificación vocálica el hecho de que a veces se asimila en un solo sonido el valor fónico de hasta tres letras diferentes (como es el caso de c, s y z en casi toda América), la potente sonoridad, la riqueza rítmica y la vasta amplitud del período quedan, sin embargo, regidos por una restrictiva economía de rima y de escala sonora.

En pocas palabras, el más grande logro del modernismo, fue el rompimiento de la estructura estrófica que aherrojaba a la poesía en español. Si lo que en el sentido de la poesía de Laforgue se entiende por verso libre no cobró toda su importancia en la poesía de nuestra lengua hasta después del modernismo, sí propuso nuevas formas de escansión más sutiles, menos simétricas y cuya irregularidad colmaba  por la modulación rítmica, los intervalos tónicos o fónicos inasequibles a nuestra lengua.

• Tomado de:

Modernidad y Modernismo. Por Salvador Elizondo. De la introducción a la antología MUSEO POETICO, Universidad Nacional Autónoma de México, México, 1974. http://www.lamaquinadeltiempo.com/elizondo/modern.htm